Répertoire

L’histoire est celle d’une utopie : un monde socio-culturel idéal où règnent la paix, le calme, le bonheur et l’égalité pour tous.

Dans la culture hip-hop, des codes — verbaux, vestimentaires, musicaux — sont censés faire de chacun l’égal de tous. Utopie regarde ce que cette promesse a coûté à ceux dont l’orientation sexuelle n’y avait pas sa place, et nomme l’illusion.

Les thèmes abordés dans la pièce font partie de ces sujets qui obsèdent au point que l’écriture à leur égard ne peut être que le résultat d’une vive émotion. L’urgence demeure maîtresse de la situation dès le début du processus d’écriture chorégraphique : certains sujets s’imposent même lorsque la décision d’écrire a encore du mal à se prononcer, et c’est ainsi que la plume dépasse son auteur.

Le processus de création

La diversité des moyens d’expression impose un processus permettant un dialogue harmonieux entre les disciplines artistiques du spectacle. L’improvisation fait partie des principaux outils de création :

— l’improvisation autour du texte, pour que les interprètes s’approprient la matière en utilisant leurs propres mots ;
— les improvisations dansées en parallèle au travail sur le thème, la narration reposant sur un mélange de partitions textuelles et de partitions dansées ;
— les partitions physiques proposées par les danseurs à partir des principaux thèmes de l’histoire, qui évoluent au fil des répétitions jusqu’à la construction finale.

L’histoire est celle d’une femme qui décide de s’enfermer dans un hôpital psychiatrique après la perte de son amour. À la suite de cet internement, l’héroïne traverse un voyage intérieur, entre les souvenirs à la présence imposante de son histoire passionnelle, son enfance, et ses multiples tentatives de revivre sans ce qui fut longtemps sa raison de vivre et le pansement de toutes ses blessures.

Le retour de l’héroïne dans le quartier de son enfance emmène le spectateur dans un autre espace, où lui est narré le quotidien d’un pays en guerre. Ainsi l’histoire d’amour de l’héroïne croise l’histoire de tout un pays.

La pièce questionne le lien entre l’exil amoureux et l’exil de la terre, entre le corps de l’être aimé et les racines. Si l’amour demeure un havre de paix, le berceau des illusions les plus folles, la terre est le berceau originel de tous les rêves, la source de toute nouvelle vie. Mais la terre de l’enfance est désormais un espace de guerre, une terre qui saigne et n’abrite plus les bourgeons de la vie d’autrefois. L’exil personnel et l’exil amoureux de l’héroïne trouvent ainsi leur écho dans l’exil collectif, celui d’un peuple entier.

Les thèmes chorégraphiques sont inspirés de celle que Didier Mayemba considère comme notre mère, la Terre, et de ce qui est en mesure de donner la vie et la mort. Il y distingue particulièrement l’Homme, l’Animal, le Ciel, la Mer. Il aime observer et traduire les comportements humains, l’actualité marquante ou futile, les mouvements de notre planète — ce qui mène et dessine le monde de demain.

L’ancrage du corps au sol sublimé par le break, les techniques de vibrations du corps éprouvées à l’extrême par le pop et l’électro lui permettent de servir un mouvement élégant et naturel, proche de celui de ses thèmes d’inspiration. L’originalité et la variété de ses combinaisons chorégraphiques viennent de son utilisation égale de l’espace et de l’énergie de la danse contemporaine et de la danse afro-cubaine.

C’est un thème très cher à l’œil du chorégraphe qui, à chaque instant, se trouve dans un incessant va-et-vient entre fluidité et cassure, entre bienveillance et brutalité, entre calme et folie du corps. Ressentir la douceur nous fait craindre la dureté ; vivre la dureté nous fait aspirer à la douceur. Pour mieux les révéler, Didier Mayemba les met en scène : douceur et dureté se muent en force et fragilité, souffrance et joie, trouble et quiétude.

Ces oppositions, parfois fragiles, parfois déstabilisées, sont utilisées comme un révélateur et donnent forme à leur dualité inséparable. « Entre deux mondes » manifeste l’instant précis grâce à ces deux énergies, comme une photographie en noir et blanc le dévoile grâce au contraste des deux couleurs. Il nous laisse voir le mouvement et la vie émerger de l’opposition, et nous donne envie de ces divergences : il nous les offre aimables, car créatrices.

Nous assimilons souvent le rond à la bonhomie, à l’aménité ou à la bienveillance, alors que nous prêtons rigueur, autorité ou rigidité au carré. Pour le chorégraphe, le cercle exprime le mouvement et la fluidité, et le carré l’ancrage et la stabilité.

Afin de servir ses remarques sur ces deux concepts et sa réflexion sur l’espace créé par leur contraste, Didier Mayemba choisit le langage du break et du brakka. Le break, technique de la danse hip-hop libre et spontanée, est largement inspiré du cercle et dédié au sol : il prête naturellement son mouvement aux pays ronds. Des danseurs virevoltants transgressent les règles souveraines de l’équilibre. Ils tournent, tournent et tournent encore. La ronde fantasque des hommes ne tourne pas si rond.

Nées du peuple, mariage de la joie et de la révolte, chacune de ces danses manifeste l’urgence d’affirmer son existence. Paradoxe entre son apparence et son fonctionnement, entre visible et invisible, la Terre, par son évolution rigoureuse, est « le carré ». Vision onirique, rêve dansé, ce spectacle est une évasion où les effets visuels qui ont donné ses lettres de noblesse à la danse hip-hop sont mis à l’honneur.

« Pays ronds dans un monde carré » nous laisse la libre interprétation de la petite ronde infernale engagée entre rond et carré.

Fidèle à sa ligne artistique, Didier Mayemba explore les origines, le mouvement de l’univers, la sève. Il danse la communion simple, divine et violente qui existe entre un homme et une femme, se croyant seuls au monde.

« Sève », c’est aussi la phonétique de « sauvé » en anglais : save. Aux prémices du XXIᵉ siècle, un modeste appel à faire face, à sauver la sève de la planète, grâce à la prédisposition naturelle de l’être humain à vivre.

Un spectacle de danse hip-hop dont la vocation est de mélanger la magie de Noël et la joie qui réside dans les quartiers à cette période.

Il illustre les souvenirs d’enfance du chorégraphe, ainsi que toute la magie qu’apporte le mois de décembre aux habitants. Ce mois a le don de mettre tous les soucis du quotidien de côté : les habitants, petits comme grands, se retrouvent dans les maisons de quartier ou dans les centres sociaux, tous poussés par un seul objectif — offrir le bonheur à leurs proches. Tout parent, toute personne retrouve son âme d’enfant à la veille de Noël.